从《我心飞翔》到中国歌剧
摘要：
歌剧，被誉为音乐艺术皇冠上的明珠，但却因为过于“阳春白雪”，而曲高和寡，似乎离我们有点遥远。
11月6日开幕的首届中国歌剧节，让榕城福州进入“歌剧时间”，在20多天的时间里，16个剧目，名家云集，精品荟萃，福州观众第一次离歌剧如此之近。
歌剧节正在热热闹闹地举办，然而歌剧节掀起的这波热潮能持续多长时间？歌剧节过后，观众能记住什么？歌剧的普及之路，能否越走越宽？
欣喜的是，在这届歌剧节上，我们看到改变和探索。
探索一：
从内容到形式的民族性
亮相歌剧节即引起观众强烈反响的歌剧《红河谷》改编自冯小宁同名电影，与如今的大多数中国歌剧不同，《红河谷》既没有依照西洋歌剧的“格式”编写音乐，也没有按照《洪湖赤卫队》《珊瑚颂》等“民歌化”路子创作。全剧的音乐富有西藏民族特色，却能恰到好处地推动戏剧情节的发展，十分好听，也颇能揭示人物的内心世界。
该剧导演陈蔚介绍，从创作一开始，主创就希望这是一部能够流传的精品，“既有经典歌剧的规格和规范，又要突出中国歌剧的风格和风骨。”陈蔚表示，在当前开放、多元化的文化氛围里，如何摆脱国外歌剧的束缚，寻找到具有中国特色歌剧的风格和风骨，是当代艺术家必须面对的一个问题。“《红河谷》紧紧把握中国观众的审美、情感和艺术欣赏需求，已经寻找到中国歌剧的这一风骨。”陈蔚对此颇为自信。
这部歌剧要表现的是两种文明的冲突之下人性的力量，陈蔚说，“《红河谷》的魂就是东方和西方融合与冲突，最重要的主题必然是那朵东西方两大文明激烈冲突下绽放的人性之花。”
《红河谷》的民族化尝试并非个案。早在1945年，大型歌剧《白毛女》在延安公演，以全新的内容、全新的形式、全新的视角、全新的音乐以及全新的演唱，创造了为广大群众喜闻乐见的音乐戏剧品种，中国歌剧就开始走上一条具有民族特色的发展之路。此后，类似作品大量涌现：《长征》《洪湖赤卫队》《江姐》等剧，不仅戏剧情节脍炙人口，而且唱段广泛流传，是音乐会及群众文化活动中雅俗共赏的曲目。
福建省艺术研究院戏剧创作研究室主任周明认为，虽然歌剧是“舶来品”，但中国歌剧和外国歌剧应该有不同。外国歌剧以声乐为主，以音乐的起承转合带动剧情的发展。而到了中国，这种艺术形式必须照顾到中国观众的审美习惯，必须兼顾音乐和情节，但仍应侧重音乐。这就为中国的歌剧创作艺术者提出了一个难题：即既要尊重歌剧本身的形式，还应具有本土化的特点。例如本届歌剧节的开篇之作，福建大型原创歌剧《土楼》，题材有地域特色，音乐表现上也包含了很多客家民歌的演唱手法，取得了不错的效果。
探索二：
“去贵族化”尝试
1925年，鲁迅先生唯一一部爱情小说《伤逝》问世。1981年，为纪念鲁迅诞辰100周年，由音乐家施光南作曲，韩伟、王泉编剧完成了歌剧《伤逝》。 这是鲁迅笔下，一个发生在上世纪20年代间老北京城的爱情悲剧，讲述涓生与子君这一对在“五四新思潮”的影响下成长起来的进步青年，冲破封建樊笼，实现自由结合，却在生活的压力和世人的嘲讽中渐渐失去对生活、对理想、对爱情的信心。最后涓生竟认为“爱情是个错误”，子君在绝望中离开……
无论是在新文化运动时期，还是在现代，爱情和面包的矛盾不仅是艺术也是生活的永恒主题。在我国首位站上国际歌剧指挥台的指挥家郑小瑛看来，这是培养大学生歌剧兴趣的一部好作品，她也希望，通过这部歌剧，也能给当代的青年学子一些启发。
此次，由华侨大学工学院郑小瑛歌剧艺术中心带来的《伤逝》校园版《紫藤花》，基本忠于原作的精神及内容，但这一版本并非简单地重现，而是对原作进行了精心提炼，并赋予了该剧新的结局。原本长达2小时的歌剧，被删节在了1个半小时以内。故事结尾更是变为了开放性的结局，对涓生和子君的故事进行了新的演绎。改编后的《紫藤花》不再止于悲戚地赚取观众热泪，而是给观者保留反思和探索的空间。
同时，为了使这部作品更易于在校园中演出，音乐伴奏采用了钢琴与少量弦乐的室内乐风格，乐队和合唱团的人数也分别进行了压缩，最后整个乐队加指挥也不过十三人，合唱团12人，男女主角各一。
全剧的舞台设计亦颇有特色：没有分幕、没有吊杆，活动在舞台上的仅是一张桌子、两把椅子及两棵挂满紫藤花可以移动的大树，制作费用仅为十几万元。 执导了几十年的中外歌剧，该剧导演李稻川对歌剧界如今热衷的动辄上百万元
的大制作颇为忧虑，大量资金砸进去，铺天盖地的宣传也做了，除了上演时的热闹，观众看了，却什么也没有记住。“如果成为普遍风气的话，歌剧也就没什么前途了。” 虽然由于排演时间短，《紫藤花》还略显仓促，但在李稻川看来，它像一股清泉，回归音乐的本质，情感的本质，昭示了歌剧一个正确的发展方向。 探索三：
如何让更多人爱上歌剧
有小说原著的良好基础，加上抒情优美的曲调，歌剧《伤逝》一问世，就被视为民族歌剧的经典。其中《紫藤花》《一抹夕阳》《不幸的人生》等经典唱段脍炙人口，经久不衰。
然而30年后，当郑小瑛试图重新排演这部作别舞台多年的歌剧时，却发现这部作品已经几近“失传”，能查阅到的资料只有人民音乐出版社出版的《歌剧〈伤逝〉选曲（钢琴伴奏谱）》中的10首选曲。“经典如果没有传承，就会成为无法挽回的遗憾。而传承的最好方式就是多演，让更多的人记住！”郑小瑛感慨。 这也是不少歌剧诞生后面临的尴尬。由于歌剧制作复杂、成本巨大，不少人并不敢轻易尝试。在福建大剧院建成之前，福建就基本没有演出过歌剧。
福建省歌舞剧院院长张树平认为，福建的歌剧市场还处在培育观众群的阶段，本届歌剧节是个助推力，能吸引更多人关注歌剧，喜欢歌剧。在歌剧节期间，主办方还拟将歌剧片段或折子戏等送入社区。而演出时的票价也根据演出团体和观众的需要适当地进行了控制，最低50元，而最高也不过300元。
张树平坦言，现在的文艺作品，首先要考虑的，就是有没有市场。“给人的第一印象很重要，舞美必须要强化。”找准了定位，就不需要犯愁前景。他介绍，目前福建大剧院一年有240场演出，每一场的上座率都能达到80%以上，而且一等票总是在开售的一两天内迅速售罄。在月初刚刚落幕的厦门海峡两岸文博会上，《土楼》就签下了三十几场演出意向。虽然前期仅设备投入就超过千万元，但他对《土楼》的市场前景有信心。
中国歌剧研究会副秘书长孙砾的经历似乎验证了这一说法。孙砾说，福州歌剧观众群的扩大可以用这几年向他要票的人的变化来侧面反映，“2009年我在福州演出歌剧时，向我要票的还是音乐圈内的人；2010年已经有各行各业的人来要票了。”他认为福州有很好的歌剧观众，在专业水准、观剧礼仪和文明方面已经越来越进步，但还不能靠演出票房来养活演出。
眼下，孙砾希望有更多的人到剧院欣赏歌剧，“当他听到好东西，他就会爱上
歌剧。”
文化·声音
14日，首届中国歌剧节论坛在福州举行，来自国内歌剧界具备了丰富理论和实践经验的专家共同探讨中国歌剧的发展现状，对“症”下“药”。
歌剧创作不能脱离市场脱离群众
中国歌剧研究会主席、总政歌剧团原团长 王祖皆
舞台艺术的活动实践大致包括创作和欣赏，要善于发掘在现实生活中与群众切身利益相关的事，如果能引起共鸣，就能得到百姓的认可。而现在，我们的作品与观众往往是有距离的，要研究群众的审美，想方设法缩短与群众的距离。这不是一个一般问题，而是艺术的生死存亡的问题。
歌剧是音乐叙事之剧，歌剧也是歌唱之剧，能不能从词到曲写出被人们流传的唱段，关系重大。观众可能忘了剧名内容，但精彩的唱段能让他们记起内容，这就是音乐的魅力。有没有好的唱段，也是歌剧有没有亲和力的因素。我们想要创作的是有中国风格中国气派，让中国老百姓喜闻乐见的歌剧。
金曼
有人才，中国歌剧才可能走向繁荣
北京大学歌剧研究院院长、教授 金曼
中国的歌剧市场从未像现在今年这么热闹过，歌剧人互相见面的机会太多了。在全国各个地方，歌剧演出都呈上升趋势。但身为歌剧事业中人，我也深知，中国歌剧的发展远未到繁荣的状态。现阶段的中国歌剧犹如中国革命的延安时期，有了根据地，但地盘有限，装备简陋，正规军缺失。
歌剧发展中，人才的先决意义应该需要受到高度重视，现在我们哪方面的人才都很缺乏。北京大学歌剧研究院在经过五年筹备后，于去年正式成立，旨在培养高端歌剧专门人才，被《纽约时报》认为是中国歌剧走向繁荣的标志之一。我们也希望，这真的能成为中国歌剧春天来临的信号。
邓一江
如果低票价，剧场一定满场
中国国家大剧院副院长、教授 邓一江
歌剧的观众在哪？我们希望更多的观众了解歌剧，而不是艺术家的自娱自乐。至今歌剧的观众仍是小众。但是普及不仅是语言的问题。一场2000名观众，用外文能演4场就不错了。而中文的原创剧目就更少人看了。我觉得有以下原因：一是歌剧知识的普及不够。了解了才会喜爱，喜爱才会进剧院看。二是我们还要创作更多的优秀作品。优秀作品观众还是愿意看的。掏钱买票就是检验市场的根本。三是当今社会泛娱乐化的媒体导向挤压了高雅艺术的生存空间。没有传播观众怎么知道？
解决办法，一要加大歌剧艺术的普及，从人力物力财力上有保证。二要创作更多观众喜爱的作品，顾及观众的接受程度。第三，社会要加大扶持力度。这样才能加大传播力度，降低门票。如果是低票价，剧场一定满场。
郑小瑛
应该恢复西洋歌剧的中文译唱
著名指挥家 郑小瑛
自从我13年前离开北京来到厦门，才深深感觉到，歌剧其实还没进入多数中国人的视野中，还非常小众。
我认为，只有克服了语言的障碍，我们才能真正欣赏歌剧，应该恢复西洋歌剧的中文译唱。
一些人偏执地以为只有以原文演唱才是与国际接轨，他们只满足了极小圈子里对音乐的喝彩，而忽略了我国广大观众对欣赏西洋歌剧的期待。我相信多数中国人还是习惯于在逐字逐句都能听懂的情况下，才能欣赏到音乐和歌唱的美妙。翻译歌剧确实有困难，语气的重音、分句、配歌的意境等，都息息相关。因此一部好译剧，需要经过反复的修配才能逐步完善。我认为是时候了，我们的剧院在表演中国原创歌剧和西洋歌剧的同时，也应该大力恢复译唱西洋歌剧，让更多人有机会享受世界文化交流的成果，这样也许能给各省市的歌舞剧院带来新的发展机遇。
记者手记
哦，这就是歌剧
郑璜
说来惭愧，直到两个月前，我才看到了人生中第一场歌剧。
那是由华侨大学厦门工学院郑小瑛艺术中心排演的校园版歌剧《紫藤花》，涓
生子君的故事通过歌剧这种形式又一次打动了我，剧中优美抒情的曲调一直萦绕在我耳边。
歌剧，阳春白雪，艺术中的艺术，于普通观众而言，似乎总有些遥远。坐得住吗？听得懂吗？我想这是很多跟我一样没看过歌剧的观众看之前的担忧。
中国歌舞剧院带来的《红河谷》，不少观众离场时，口中不由自主哼着剧中的某段旋律。由于被剧情吸引，精神高度集中，一场演出下来，不少观众连呼好累好过瘾。
由天津歌舞剧院演绎的《原野》在长乐上演，一位年轻的母亲带着刚上小学一年级的儿子前来观看。虽然剧中的爱恨情仇对一个7岁的孩子而言太过复杂，唱词他也没办法全部听懂，甚至打出的字幕，他都认不全。可母亲发现，剧情进行到紧张处，孩子眼睛一眨也不眨，小手攥得紧紧的。
原来我们不仅能够看懂，还那么容易被感动。
不管中国歌剧的现状是外媒惊呼的“走向繁荣时期”，还是业内人担忧的普及“还没起步”，本次歌剧节，每场演出的上座率都相当高，虽然不少观众，手持的都是赠票。无论是歌剧爱好者，还是没看过图新鲜的，抑或只想一睹名家风采的，于眼下亟须普及的歌剧艺术而言，都是幸事。通过一次观看，他们便稍微明白了一点，哦，这就是歌剧。
而有一点，是业内外人士的共识，真正的好作品，一定是不乏观众的。
至少在演出的两个小时的时间里，剧院里气氛热烈，大家几乎忘记了外面风雨交加。这，就是一件让人欣喜的事。
如今的世界让人眼花缭乱，足球与钞票“飞翔”，歌台与钞票“飞翔”，房地产与钞票“飞翔”„„其实，这在商品社会实属正常。不正常的是，人们不该冷落了自己应有的优美、高雅的精神活动，例如对歌剧的创作与欣赏。歌剧艺术是人类伟大的精神文化宝库之一，其中，有许多璀璨的明珠足以证明：正因为人类具有这样令人惊叹的精神创造能力，才让我们这个小小的蔚蓝色星球光焰万丈！ 尽管钞票的龙卷风不时而起，却总能有人“中流击水，浪遏飞舟”，总能有人“鹰击长空，鱼翔浅底”，总能有人登山则情满于山，望海则意溢于海。让那颗充满艺术阳光的美好心灵飞翔在蓝天之上。在似乎被轻慢了的歌剧乐坛上，还有那么一些“荷戟独彷徨”的“痴人”，不知在何时与歌剧女神订下了“抱柱”之信，以“我在阵地在”的执著情怀屹立着！歌剧《我心飞翔》就是这样的誓言之一。
歌剧《我心飞翔》写的是在非常时期（五十年代初，冷战中的局部热线），非常人物（在海外取得杰出成就的中国科学家）所采取的非常行动（突破政治意
识形态所制造的种种藩篱，放弃优越的科研条件和个人灿烂的学术前途，毅然回归一穷二白的祖国）。其中激扬慷慨的是崇高的爱国主义情怀。这种情怀是任何国家的国民都景仰的，而对于过去受尽外侮，现正奋发图强，尚处于贫困落后的中国来说，更是弥足珍贵的。作家、艺术家应该是民族的良心，他们把半个世纪前，海外中国科学家的这种伟大情怀热情地呈现在歌剧舞台上，实在是应该起立鼓掌欢迎的。
廓清了偏见才能评说戏的本身。
就文学剧本而言，它十分简练。情节单纯而富有意味正是歌剧剧本所必须的。简练而不简陋，单纯而不单调，正表现了剧作家对那段发生在复杂历史背景下，蕴涵着丰富内容的历史事件有着总体的观照，本质的把握，深刻地挖掘。之后，他们用独特的戏剧思维再进行梳理，提炼，选择，想象，编织„„剧本舍掉事件发生、发展的曲折过程，而倾力于逐层加深地揭示主人公内心的情感世界，将戏剧的高潮点置诸于情感的喷发处。须知，在艰苦、繁杂的创作过程中，剧作者经常会面临“诱惑”，仿佛有个黑色的精灵在诱惑你走向自己创意的反面，或走向庸俗的迷途。处理这样的题材也可能会迷恋真实事件本身的某些表面的“戏剧性”——不少海外中国科学家回归祖国的经历是很有些传奇色彩的，甚至其本身就很像惊险奇异的情节戏。《我心飞翔》的编剧执著地按照自己的戏剧思维，坚定地专注于主人公的“心”，让观众看到那颗沸腾着华夏深情的心田闪烁出怎样炽热的光芒，让观众听到那颗萦绕着历史呼唤的心弦弹奏出怎样感人的乐章！
剧作家苦心孤诣地编织了四对人物关系：秦时钺与班克斯（移民归化局官员，恩师的儿子，曾是秦的朋友），秦时钺与恋人杰弗林（联邦律师），秦时钺与恩师布莱恩（正直的联邦学者），秦时钺与自己的研究生鄢雨萍（传送来自祖国的呵护和母亲的呼唤）。其中，以前两对人物关系为主，反复交织，不断掀起主人公的内心波澜，而这些波澜又层层加深地撞击着主人公的灵魂，一次次地激发他那心灵的声音，一次次地揭示他那情感沸腾的内心世界，一次次地使他把爱恋之情，思乡之情，念母之情，谢师之情，友好之情„„熔铸在更高尚的爱国主义的情感之中，从而完成了主人公性格升华的心路历程。
应该指出的是，在秦时钺经受监视的困境中，鄢雨萍传来周总理的决断：用联邦战俘交换海外学人，而秦时钺是名单中的第一人。虽然只是这么一句台词，但是，这就把海外学人们回归祖国的历史必然性揭示出来了，把新、旧中国的本质变化揭示出来了，使全剧具有了厚重的历史感。
文学剧本是歌剧的基础，但是，成败的关键却是音乐。
《我心飞翔》的音乐结构是精心构架的，是颇具特色的。音乐创作始终围绕推动戏剧动作面展开，渲染情绪，制造氛围，抒情性与叙事性的紧密结合，戏剧性的矛盾冲突，特别是人物内心情感的相互冲撞描绘得震颤心魄，令人惊叹不已。该剧的音乐结构，技巧的发挥与创造使我们看到了该剧作曲的匠心独运。
作曲家在追求戏剧音乐的立体感。所谓“立体感”不同于平面的加减与组合，而在于其丰富的多层面的相互派生、相互依赖，浑然一体。这就是歌剧《我心飞翔》的音乐魅力之一。
当然，也不是无懈可击。专家和观众均有同感的是，在法庭的那场，秦时钺最后的精彩陈述如果不是台词，而是爱国主义激情大放光芒的咏叹调。那么，将使这部歌剧的音乐更富于戏剧性对比。
同样，文学剧本也有可再斟酌的地方；对秦时钺军事科技成果的赞美要适度，布莱恩与儿子班克斯的关系要写得更准确些，更复杂些。
最可喜的是：我们有这样一批热爱歌剧事业的人，他们用殚精竭虑赢得了令人兴奋的成果。希望正在这里！
在序幕中秦时钺的学生举杯感谢他时的唱功就用了流行唱法，使歌剧更能让广大的群众所接受：在表现形式上既保留了歌剧的特点又吸收了音乐剧的表现手法，以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的发展和戏剧的冲突，剧中语言无法表达的强烈情感和气氛用音乐和舞蹈表达。如在实验基地工人们的歌唱和舞蹈，他们唱出了和主人公归国的迫切心情的处境和主人公内心的煎熬元素，加入了高科技多媒体是海边，实验基地等等的布景的舞台设计时代，上取得了可喜的突破；以实现表现了他们心向祖国的一曲折，人物丰满，情感真挚，矛盾尖锐，歌词深情优美，音乐悠扬动人，舞美新颖独特，表演细腻真实。
从《我心飞翔》到中国歌剧
摘要：
歌剧，被誉为音乐艺术皇冠上的明珠，但却因为过于“阳春白雪”，而曲高和寡，似乎离我们有点遥远。
11月6日开幕的首届中国歌剧节，让榕城福州进入“歌剧时间”，在20多天的时间里，16个剧目，名家云集，精品荟萃，福州观众第一次离歌剧如此之近。
歌剧节正在热热闹闹地举办，然而歌剧节掀起的这波热潮能持续多长时间？歌剧节过后，观众能记住什么？歌剧的普及之路，能否越走越宽？
欣喜的是，在这届歌剧节上，我们看到改变和探索。
探索一：
从内容到形式的民族性
亮相歌剧节即引起观众强烈反响的歌剧《红河谷》改编自冯小宁同名电影，与如今的大多数中国歌剧不同，《红河谷》既没有依照西洋歌剧的“格式”编写音乐，也没有按照《洪湖赤卫队》《珊瑚颂》等“民歌化”路子创作。全剧的音乐富有西藏民族特色，却能恰到好处地推动戏剧情节的发展，十分好听，也颇能揭示人物的内心世界。
该剧导演陈蔚介绍，从创作一开始，主创就希望这是一部能够流传的精品，“既有经典歌剧的规格和规范，又要突出中国歌剧的风格和风骨。”陈蔚表示，在当前开放、多元化的文化氛围里，如何摆脱国外歌剧的束缚，寻找到具有中国特色歌剧的风格和风骨，是当代艺术家必须面对的一个问题。“《红河谷》紧紧把握中国观众的审美、情感和艺术欣赏需求，已经寻找到中国歌剧的这一风骨。”陈蔚对此颇为自信。
这部歌剧要表现的是两种文明的冲突之下人性的力量，陈蔚说，“《红河谷》的魂就是东方和西方融合与冲突，最重要的主题必然是那朵东西方两大文明激烈冲突下绽放的人性之花。”
《红河谷》的民族化尝试并非个案。早在1945年，大型歌剧《白毛女》在延安公演，以全新的内容、全新的形式、全新的视角、全新的音乐以及全新的演唱，创造了为广大群众喜闻乐见的音乐戏剧品种，中国歌剧就开始走上一条具有民族特色的发展之路。此后，类似作品大量涌现：《长征》《洪湖赤卫队》《江姐》等剧，不仅戏剧情节脍炙人口，而且唱段广泛流传，是音乐会及群众文化活动中雅俗共赏的曲目。
福建省艺术研究院戏剧创作研究室主任周明认为，虽然歌剧是“舶来品”，但中国歌剧和外国歌剧应该有不同。外国歌剧以声乐为主，以音乐的起承转合带动剧情的发展。而到了中国，这种艺术形式必须照顾到中国观众的审美习惯，必须兼顾音乐和情节，但仍应侧重音乐。这就为中国的歌剧创作艺术者提出了一个难题：即既要尊重歌剧本身的形式，还应具有本土化的特点。例如本届歌剧节的开篇之作，福建大型原创歌剧《土楼》，题材有地域特色，音乐表现上也包含了很多客家民歌的演唱手法，取得了不错的效果。
探索二：
“去贵族化”尝试
1925年，鲁迅先生唯一一部爱情小说《伤逝》问世。1981年，为纪念鲁迅诞辰100周年，由音乐家施光南作曲，韩伟、王泉编剧完成了歌剧《伤逝》。 这是鲁迅笔下，一个发生在上世纪20年代间老北京城的爱情悲剧，讲述涓生与子君这一对在“五四新思潮”的影响下成长起来的进步青年，冲破封建樊笼，实现自由结合，却在生活的压力和世人的嘲讽中渐渐失去对生活、对理想、对爱情的信心。最后涓生竟认为“爱情是个错误”，子君在绝望中离开……
无论是在新文化运动时期，还是在现代，爱情和面包的矛盾不仅是艺术也是生活的永恒主题。在我国首位站上国际歌剧指挥台的指挥家郑小瑛看来，这是培养大学生歌剧兴趣的一部好作品，她也希望，通过这部歌剧，也能给当代的青年学子一些启发。
此次，由华侨大学工学院郑小瑛歌剧艺术中心带来的《伤逝》校园版《紫藤花》，基本忠于原作的精神及内容，但这一版本并非简单地重现，而是对原作进行了精心提炼，并赋予了该剧新的结局。原本长达2小时的歌剧，被删节在了1个半小时以内。故事结尾更是变为了开放性的结局，对涓生和子君的故事进行了新的演绎。改编后的《紫藤花》不再止于悲戚地赚取观众热泪，而是给观者保留反思和探索的空间。
同时，为了使这部作品更易于在校园中演出，音乐伴奏采用了钢琴与少量弦乐的室内乐风格，乐队和合唱团的人数也分别进行了压缩，最后整个乐队加指挥也不过十三人，合唱团12人，男女主角各一。
全剧的舞台设计亦颇有特色：没有分幕、没有吊杆，活动在舞台上的仅是一张桌子、两把椅子及两棵挂满紫藤花可以移动的大树，制作费用仅为十几万元。 执导了几十年的中外歌剧，该剧导演李稻川对歌剧界如今热衷的动辄上百万元
的大制作颇为忧虑，大量资金砸进去，铺天盖地的宣传也做了，除了上演时的热闹，观众看了，却什么也没有记住。“如果成为普遍风气的话，歌剧也就没什么前途了。” 虽然由于排演时间短，《紫藤花》还略显仓促，但在李稻川看来，它像一股清泉，回归音乐的本质，情感的本质，昭示了歌剧一个正确的发展方向。 探索三：
如何让更多人爱上歌剧
有小说原著的良好基础，加上抒情优美的曲调，歌剧《伤逝》一问世，就被视为民族歌剧的经典。其中《紫藤花》《一抹夕阳》《不幸的人生》等经典唱段脍炙人口，经久不衰。
然而30年后，当郑小瑛试图重新排演这部作别舞台多年的歌剧时，却发现这部作品已经几近“失传”，能查阅到的资料只有人民音乐出版社出版的《歌剧〈伤逝〉选曲（钢琴伴奏谱）》中的10首选曲。“经典如果没有传承，就会成为无法挽回的遗憾。而传承的最好方式就是多演，让更多的人记住！”郑小瑛感慨。 这也是不少歌剧诞生后面临的尴尬。由于歌剧制作复杂、成本巨大，不少人并不敢轻易尝试。在福建大剧院建成之前，福建就基本没有演出过歌剧。
福建省歌舞剧院院长张树平认为，福建的歌剧市场还处在培育观众群的阶段，本届歌剧节是个助推力，能吸引更多人关注歌剧，喜欢歌剧。在歌剧节期间，主办方还拟将歌剧片段或折子戏等送入社区。而演出时的票价也根据演出团体和观众的需要适当地进行了控制，最低50元，而最高也不过300元。
张树平坦言，现在的文艺作品，首先要考虑的，就是有没有市场。“给人的第一印象很重要，舞美必须要强化。”找准了定位，就不需要犯愁前景。他介绍，目前福建大剧院一年有240场演出，每一场的上座率都能达到80%以上，而且一等票总是在开售的一两天内迅速售罄。在月初刚刚落幕的厦门海峡两岸文博会上，《土楼》就签下了三十几场演出意向。虽然前期仅设备投入就超过千万元，但他对《土楼》的市场前景有信心。
中国歌剧研究会副秘书长孙砾的经历似乎验证了这一说法。孙砾说，福州歌剧观众群的扩大可以用这几年向他要票的人的变化来侧面反映，“2009年我在福州演出歌剧时，向我要票的还是音乐圈内的人；2010年已经有各行各业的人来要票了。”他认为福州有很好的歌剧观众，在专业水准、观剧礼仪和文明方面已经越来越进步，但还不能靠演出票房来养活演出。
眼下，孙砾希望有更多的人到剧院欣赏歌剧，“当他听到好东西，他就会爱上
歌剧。”
文化·声音
14日，首届中国歌剧节论坛在福州举行，来自国内歌剧界具备了丰富理论和实践经验的专家共同探讨中国歌剧的发展现状，对“症”下“药”。
歌剧创作不能脱离市场脱离群众
中国歌剧研究会主席、总政歌剧团原团长 王祖皆
舞台艺术的活动实践大致包括创作和欣赏，要善于发掘在现实生活中与群众切身利益相关的事，如果能引起共鸣，就能得到百姓的认可。而现在，我们的作品与观众往往是有距离的，要研究群众的审美，想方设法缩短与群众的距离。这不是一个一般问题，而是艺术的生死存亡的问题。
歌剧是音乐叙事之剧，歌剧也是歌唱之剧，能不能从词到曲写出被人们流传的唱段，关系重大。观众可能忘了剧名内容，但精彩的唱段能让他们记起内容，这就是音乐的魅力。有没有好的唱段，也是歌剧有没有亲和力的因素。我们想要创作的是有中国风格中国气派，让中国老百姓喜闻乐见的歌剧。
金曼
有人才，中国歌剧才可能走向繁荣
北京大学歌剧研究院院长、教授 金曼
中国的歌剧市场从未像现在今年这么热闹过，歌剧人互相见面的机会太多了。在全国各个地方，歌剧演出都呈上升趋势。但身为歌剧事业中人，我也深知，中国歌剧的发展远未到繁荣的状态。现阶段的中国歌剧犹如中国革命的延安时期，有了根据地，但地盘有限，装备简陋，正规军缺失。
歌剧发展中，人才的先决意义应该需要受到高度重视，现在我们哪方面的人才都很缺乏。北京大学歌剧研究院在经过五年筹备后，于去年正式成立，旨在培养高端歌剧专门人才，被《纽约时报》认为是中国歌剧走向繁荣的标志之一。我们也希望，这真的能成为中国歌剧春天来临的信号。
邓一江
如果低票价，剧场一定满场
中国国家大剧院副院长、教授 邓一江
歌剧的观众在哪？我们希望更多的观众了解歌剧，而不是艺术家的自娱自乐。至今歌剧的观众仍是小众。但是普及不仅是语言的问题。一场2000名观众，用外文能演4场就不错了。而中文的原创剧目就更少人看了。我觉得有以下原因：一是歌剧知识的普及不够。了解了才会喜爱，喜爱才会进剧院看。二是我们还要创作更多的优秀作品。优秀作品观众还是愿意看的。掏钱买票就是检验市场的根本。三是当今社会泛娱乐化的媒体导向挤压了高雅艺术的生存空间。没有传播观众怎么知道？
解决办法，一要加大歌剧艺术的普及，从人力物力财力上有保证。二要创作更多观众喜爱的作品，顾及观众的接受程度。第三，社会要加大扶持力度。这样才能加大传播力度，降低门票。如果是低票价，剧场一定满场。
郑小瑛
应该恢复西洋歌剧的中文译唱
著名指挥家 郑小瑛
自从我13年前离开北京来到厦门，才深深感觉到，歌剧其实还没进入多数中国人的视野中，还非常小众。
我认为，只有克服了语言的障碍，我们才能真正欣赏歌剧，应该恢复西洋歌剧的中文译唱。
一些人偏执地以为只有以原文演唱才是与国际接轨，他们只满足了极小圈子里对音乐的喝彩，而忽略了我国广大观众对欣赏西洋歌剧的期待。我相信多数中国人还是习惯于在逐字逐句都能听懂的情况下，才能欣赏到音乐和歌唱的美妙。翻译歌剧确实有困难，语气的重音、分句、配歌的意境等，都息息相关。因此一部好译剧，需要经过反复的修配才能逐步完善。我认为是时候了，我们的剧院在表演中国原创歌剧和西洋歌剧的同时，也应该大力恢复译唱西洋歌剧，让更多人有机会享受世界文化交流的成果，这样也许能给各省市的歌舞剧院带来新的发展机遇。
记者手记
哦，这就是歌剧
郑璜
说来惭愧，直到两个月前，我才看到了人生中第一场歌剧。
那是由华侨大学厦门工学院郑小瑛艺术中心排演的校园版歌剧《紫藤花》，涓
生子君的故事通过歌剧这种形式又一次打动了我，剧中优美抒情的曲调一直萦绕在我耳边。
歌剧，阳春白雪，艺术中的艺术，于普通观众而言，似乎总有些遥远。坐得住吗？听得懂吗？我想这是很多跟我一样没看过歌剧的观众看之前的担忧。
中国歌舞剧院带来的《红河谷》，不少观众离场时，口中不由自主哼着剧中的某段旋律。由于被剧情吸引，精神高度集中，一场演出下来，不少观众连呼好累好过瘾。
由天津歌舞剧院演绎的《原野》在长乐上演，一位年轻的母亲带着刚上小学一年级的儿子前来观看。虽然剧中的爱恨情仇对一个7岁的孩子而言太过复杂，唱词他也没办法全部听懂，甚至打出的字幕，他都认不全。可母亲发现，剧情进行到紧张处，孩子眼睛一眨也不眨，小手攥得紧紧的。
原来我们不仅能够看懂，还那么容易被感动。
不管中国歌剧的现状是外媒惊呼的“走向繁荣时期”，还是业内人担忧的普及“还没起步”，本次歌剧节，每场演出的上座率都相当高，虽然不少观众，手持的都是赠票。无论是歌剧爱好者，还是没看过图新鲜的，抑或只想一睹名家风采的，于眼下亟须普及的歌剧艺术而言，都是幸事。通过一次观看，他们便稍微明白了一点，哦，这就是歌剧。
而有一点，是业内外人士的共识，真正的好作品，一定是不乏观众的。
至少在演出的两个小时的时间里，剧院里气氛热烈，大家几乎忘记了外面风雨交加。这，就是一件让人欣喜的事。
如今的世界让人眼花缭乱，足球与钞票“飞翔”，歌台与钞票“飞翔”，房地产与钞票“飞翔”„„其实，这在商品社会实属正常。不正常的是，人们不该冷落了自己应有的优美、高雅的精神活动，例如对歌剧的创作与欣赏。歌剧艺术是人类伟大的精神文化宝库之一，其中，有许多璀璨的明珠足以证明：正因为人类具有这样令人惊叹的精神创造能力，才让我们这个小小的蔚蓝色星球光焰万丈！ 尽管钞票的龙卷风不时而起，却总能有人“中流击水，浪遏飞舟”，总能有人“鹰击长空，鱼翔浅底”，总能有人登山则情满于山，望海则意溢于海。让那颗充满艺术阳光的美好心灵飞翔在蓝天之上。在似乎被轻慢了的歌剧乐坛上，还有那么一些“荷戟独彷徨”的“痴人”，不知在何时与歌剧女神订下了“抱柱”之信，以“我在阵地在”的执著情怀屹立着！歌剧《我心飞翔》就是这样的誓言之一。
歌剧《我心飞翔》写的是在非常时期（五十年代初，冷战中的局部热线），非常人物（在海外取得杰出成就的中国科学家）所采取的非常行动（突破政治意
识形态所制造的种种藩篱，放弃优越的科研条件和个人灿烂的学术前途，毅然回归一穷二白的祖国）。其中激扬慷慨的是崇高的爱国主义情怀。这种情怀是任何国家的国民都景仰的，而对于过去受尽外侮，现正奋发图强，尚处于贫困落后的中国来说，更是弥足珍贵的。作家、艺术家应该是民族的良心，他们把半个世纪前，海外中国科学家的这种伟大情怀热情地呈现在歌剧舞台上，实在是应该起立鼓掌欢迎的。
廓清了偏见才能评说戏的本身。
就文学剧本而言，它十分简练。情节单纯而富有意味正是歌剧剧本所必须的。简练而不简陋，单纯而不单调，正表现了剧作家对那段发生在复杂历史背景下，蕴涵着丰富内容的历史事件有着总体的观照，本质的把握，深刻地挖掘。之后，他们用独特的戏剧思维再进行梳理，提炼，选择，想象，编织„„剧本舍掉事件发生、发展的曲折过程，而倾力于逐层加深地揭示主人公内心的情感世界，将戏剧的高潮点置诸于情感的喷发处。须知，在艰苦、繁杂的创作过程中，剧作者经常会面临“诱惑”，仿佛有个黑色的精灵在诱惑你走向自己创意的反面，或走向庸俗的迷途。处理这样的题材也可能会迷恋真实事件本身的某些表面的“戏剧性”——不少海外中国科学家回归祖国的经历是很有些传奇色彩的，甚至其本身就很像惊险奇异的情节戏。《我心飞翔》的编剧执著地按照自己的戏剧思维，坚定地专注于主人公的“心”，让观众看到那颗沸腾着华夏深情的心田闪烁出怎样炽热的光芒，让观众听到那颗萦绕着历史呼唤的心弦弹奏出怎样感人的乐章！
剧作家苦心孤诣地编织了四对人物关系：秦时钺与班克斯（移民归化局官员，恩师的儿子，曾是秦的朋友），秦时钺与恋人杰弗林（联邦律师），秦时钺与恩师布莱恩（正直的联邦学者），秦时钺与自己的研究生鄢雨萍（传送来自祖国的呵护和母亲的呼唤）。其中，以前两对人物关系为主，反复交织，不断掀起主人公的内心波澜，而这些波澜又层层加深地撞击着主人公的灵魂，一次次地激发他那心灵的声音，一次次地揭示他那情感沸腾的内心世界，一次次地使他把爱恋之情，思乡之情，念母之情，谢师之情，友好之情„„熔铸在更高尚的爱国主义的情感之中，从而完成了主人公性格升华的心路历程。
应该指出的是，在秦时钺经受监视的困境中，鄢雨萍传来周总理的决断：用联邦战俘交换海外学人，而秦时钺是名单中的第一人。虽然只是这么一句台词，但是，这就把海外学人们回归祖国的历史必然性揭示出来了，把新、旧中国的本质变化揭示出来了，使全剧具有了厚重的历史感。
文学剧本是歌剧的基础，但是，成败的关键却是音乐。
《我心飞翔》的音乐结构是精心构架的，是颇具特色的。音乐创作始终围绕推动戏剧动作面展开，渲染情绪，制造氛围，抒情性与叙事性的紧密结合，戏剧性的矛盾冲突，特别是人物内心情感的相互冲撞描绘得震颤心魄，令人惊叹不已。该剧的音乐结构，技巧的发挥与创造使我们看到了该剧作曲的匠心独运。
作曲家在追求戏剧音乐的立体感。所谓“立体感”不同于平面的加减与组合，而在于其丰富的多层面的相互派生、相互依赖，浑然一体。这就是歌剧《我心飞翔》的音乐魅力之一。
当然，也不是无懈可击。专家和观众均有同感的是，在法庭的那场，秦时钺最后的精彩陈述如果不是台词，而是爱国主义激情大放光芒的咏叹调。那么，将使这部歌剧的音乐更富于戏剧性对比。
同样，文学剧本也有可再斟酌的地方；对秦时钺军事科技成果的赞美要适度，布莱恩与儿子班克斯的关系要写得更准确些，更复杂些。
最可喜的是：我们有这样一批热爱歌剧事业的人，他们用殚精竭虑赢得了令人兴奋的成果。希望正在这里！
在序幕中秦时钺的学生举杯感谢他时的唱功就用了流行唱法，使歌剧更能让广大的群众所接受：在表现形式上既保留了歌剧的特点又吸收了音乐剧的表现手法，以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的发展和戏剧的冲突，剧中语言无法表达的强烈情感和气氛用音乐和舞蹈表达。如在实验基地工人们的歌唱和舞蹈，他们唱出了和主人公归国的迫切心情的处境和主人公内心的煎熬元素，加入了高科技多媒体是海边，实验基地等等的布景的舞台设计时代，上取得了可喜的突破；以实现表现了他们心向祖国的一曲折，人物丰满，情感真挚，矛盾尖锐，歌词深情优美，音乐悠扬动人，舞美新颖独特，表演细腻真实。